Rolling Stone, le magazine américain consacré à la musique populaire, a mis à jour sa liste des 100 plus grands chanteurs datant 2008. Le nouveau classement intègre 100 autres artistes, ce qui porte la liste à 200 plus grands chanteurs de tous les temps.

Les rédacteurs du magazine on précisé « qu’il s’agit de la liste des plus grands chanteurs, et non de la liste des plus grandes voix. Le talent est impressionnant; le génie est transcendant… »

Cependant, bien que la nouvelle liste des artistes soit vaste et variée, en partie à cause du changement de critères, il y a quelques choix discutables qui indigneraient certains fans, comme par exemple l’exclusion de la chanteuse canadienne Céline Dion, qui a été « snobée » par ce « jury de la musique populaire ».

Mais, beaucoup conviendraient qu’avoir Aretha Franklin à la première place est une évidence.

1. Aretha Franklin

Aretha Franklin est en tête de la liste Rolling Stone des 200 plus grands chanteurs de tous les temps. Le magazine a décrit sa voix comme « Une force de la nature. Une œuvre de génie. Un cadeau du ciel… » C’est pourquoi elle reste la reine incontestée, des années après son salut éternel.

Son chant est le son le plus magnifique qui ait émergé des Etats-Unis d’Amérique – plus universel que le son tiré du saxophone de John Coltrane, plus audacieux que la guitare de Hendrix.

Elle a explosé dans le monde entier avec son tube « Respect » paru en 1967, revendiquant son trône en tant que « la plus grande chanteuse pop, rock ou soul de tous les temps ».

Aretha pouvait exprimer sa jubilation, comme on l’entend dans son doc gospel « Amazing Grace ». Elle pouvait invoquer le chagrin le plus profond, dans des ballades comme « Ain’t No Way ». Son talent artistique est la plus grande réussite de la musique américaine, sinon de l’histoire américaine. Mais sa voix est le carrefour où toutes les différentes traditions musicales se rencontrent, du gospel au funk en passant par le rock et le blues. Comme elle l’a dit, « Je suppose que vous pourriez dire que je voyage beaucoup avec ma voix. »

Comme l’a si bien dit la chanteuse Mary J. Blige « Aretha Franklin est la raison pour laquelle les femmes veulent chanter. »

2. Whitney Houston

La mise sur le marché de son album éponyme de 1985 a été réalisée un peu plus de six mois avant son 22e anniversaire. Cette œuvre l’a immédiatement établie comme l’une des chanteuses les plus puissantes de la pop. Ce n’était pas un hasard: en 1993, Houston a rappelé comment son éducation, où elle côtoyait des grands noms du R&B comme Aretha Franklin et Roberta Flack – ainsi que sa mère, la chanteuse de gospel Cissy Houston – l’avait plongée dans l’idée d’exprimer ses sentiments. « Cela a eu un grand impact sur moi en tant que chanteur, en tant qu’interprète, en tant que musicien. Grandir autour de ça, vous ne pouvez tout simplement pas vous en empêcher », a-t-elle déclaré. « Je m’y suis immédiatement identifié. C’était quelque chose qui était si naturel pour moi que quand j’ai commencé à chanter, c’était presque comme parler », a-t-elle poursuivi.

3. Sam Cooke

Il y a la musique populaire américaine avant Sam Cooke et la musique populaire après. Il était déjà une superstar du gospel avec les Soul Stirrers lorsqu’il s’est lancé en solo en 1957 et a immédiatement commencé à définir l’idée de «musique soul» à la fois en tant que star du crossover et innovateur musical. Sa grosse voix a séduit sur « You Send Me » de 1957 et il a enchanté sur « Wonderful World », une chanson qui, entre de moindres mains, aurait peut-être semblé ringard. Mais peu de chanteurs ont savouré être à l’intérieur d’une chanson comme Cooke l’a fait. Il a fait des standards impeccables sur Live at the Copacabana de 1964 et une version fluide du R&B sur « One Night Stand – Live at the Harlem Square Club », une performance de 1963 inédit jusqu’en 1985. Sans oublié son chef-d’œuvre de 1964 « A Change Is Gonna Come ».

4. Billy Holiday

D’autres légendes du jazz-vocal, comme Sarah Vaughan et Ella Fitzgerald, ont prospéré grâce au raffinement et flexibilité de leurs cordes vocales, Billie Holiday, elle, a privilégié la vérité émotionnelle. C’est une qualité qui lui a donné un statut spécial parmi ses collègues artistes, de son saxophoniste et ami de longue date Lester Young à Miles Davis, qui a écrit dans son autobiographie que lorsque Holiday chantait une ballade comme « I Loves You Porgy », à propos d’une femme tourmentée par un amant abusif, « on pouvait presque sentir « cette merde » qu’elle ressentait. C’était beau et triste la façon dont elle le chantait. Billy Holiday restera « la poétesse de la morosité », sa prestation au goutte-à-goutte parfaitement adaptée au désespoir (« Lover Man ») ou carrément morbide (« Strange Fruit », une condamnation à juste titre écœurante du lynchage). Mais, elle pourrait aussi utiliser sa voix pour transmettre une exaltation débordante, comme dans interprétation de « Too Marvelous for Words ».

Joni Mitchell a dit « elle peut vous faire entendre le contenu et l’intention de chaque mot qu’elle chante – même au détriment de sa hauteur ou de son ton. Billie Holiday est celle qui me touche le plus profondément. »

5. Mariah Carey

Rolling Stone a fait l’éloge de la gamme de cinq octaves de Mariah Carey et a jailli « Tout, des roucoulements timides et respirants aux ceintures gutturales et corsées, peut être déployé avec des résultats tout aussi électrisants. » Carey est arrivé au numéro 5 du top 200

Depuis « Vision of Love » des années 1990, l’auteure-compositrice-interprète a toujours trouvé un équilibre délicat entre la soul old-school et le R&B avec une pop moderne, souvent avant-gardiste. Son secret a longtemps été une douceur qui peut être parfois angélique ou diabolique, selon la façon dont elle manie la multitude d’armes vocales secrètes qu’elle a dans son arsenal.

En combinant ses talents vocaux d’opéra avec une attitude dure et un penchant pour le glamour et le drame, Carey a donné naissance à des générations d’imitateurs dans son sillage. Mais celle et ceux qu’elle a influencés ne peuvent toujours pas battre l’architecte du son de la pop moderne.

6. Ray Charles

« Les gens m’appellent un chanteur de jazz et un chanteur de blues, mais je ne sais pas vraiment la différence », a déclaré Ray Charles à un intervieweur en 1963. « J’essaie juste de chanter une chanson, et je ne chante que des chansons que j’aime chanter. Surtout j’essaie de mettre un peu d’âme dans tout ».

Ray Charles était un titan du R&B, de la pop, du jazz et de la country. La raison pour laquelle son premier coffret rétrospectif, paru en 1991, s’intitulait The Birth of Soul, réside tout simplement dans sa réécriture d’une chanson gospel « I Got a Woman », qui a fait de la soul music une réalité. Charles a transformé l’un des hymnes nationaux les plus anodins, « America the Beautiful », en une épopée déchirante. L’homme pouvait rendre n’importe quoi émouvant.

7. Stevie Wonder

Quel que soit le ton que vise Stevie Wonder, de la romance aux yeux étoilés au réalisme granuleux, sa voix peut le transmettre facilement. Peu de chanteurs pourraient vendre de manière aussi convaincante à la fois la tendresse sans vergogne de « You Are the Sunshine of My Life » ou « I Just Called to Say I Love You » et la colère frémissante qui sous-tend « You Haven’t Done Nothin' » ou « Living pour la Ville. » La dernière chanson présente le grognement breveté de Wonder, l’une des nombreuses tactiques vocales qu’il utilise pour pousser une chanson à l’overdrive (voir aussi : les acrobaties mélodiques du registre supérieur entendues sur « Sir Duke » ou les swoops de type gospel sur le point culminant de « They Won ne pars pas quand je pars »).

8. Beyoncé

Dans la voix de Beyoncé réside toute l’histoire de la musique noire. Elle est l’une des grandes historiennes de la pop, une artiste tellement amoureuse des héros qui la façonnent qu’elle ne peut s’empêcher de trouver des occasions de leur rendre hommage dans sa musique, ses performances et, bien sûr, son chant. Mais il n’y a rien de dérivé dans ce que fait Beyoncé : elle a tenu compte des leçons qu’elle peut tirer de Prince, Tina, Diana, Michael, Janet, Donna, et plus encore et s’est façonnée en une icône qui vaut la peine d’être à côté de ces titans, même tout en restant au sommet de son art. Sa malléabilité et son penchant pour le théâtre vocal ont permis à sa gamme de s’intégrer avec succès dans tout, du funk au country en passant par le hard rock (parfois tous sur le même album). De surcroit, elle est aussi bonne rappeuse que cantatrice, maîtrisant chaque virage avec un contrôle et une puissance ineffables.

9. Otis Redding

Sur scène – à commencer par sa performance impressionnante au festival Monterey Pop de 1967 – Otis Redding était si illimité et incontrôlable qu’il pouvait littéralement faire trembler la scène. Mais surtout en studio, sa râpe émotive était une merveille de retenue contrôlée. Dans ses ballades soul les plus pénétrantes, comme « Try a Little Tenderness », « Mr. Pitiful » et « (Sittin’ on) The Dock of the Bay », Redding savourait chaque mot angoissé, ajoutant des lignes exclamatives à la fin des phrases mais sans jamais en faire trop. Un autre témoignage de sa puissance : la façon dont il pouvait reprendre des succès rock & roll, comme « (I Can’t Get No) Satisfaction » et « A Hard Day’s Night », et vous faire oublier que quelqu’un les avait chantés avant lui.

10. Al Green

Il y a quelque chose de félin dans la voix d’Al Green – une souplesse sinueuse qui éclate dans des endroits auxquels l’auditeur ne s’attend pas, ce qui est toujours le bienvenu. Peu de chanteurs créent l’illusion d’être emportés par la chanson. Qu’il soit allongé dans un groove funk dur de Memphis, comme un python prêt à s’élancer (voir le premier « I’m a Ram »), ou qu’il overdubbe plusieurs faussets éthérés (à la l’apogée de « Have You Been Making Out OK »), le « Révérant » Green peut évoquer le transport ravissant sans effort. La vérité était tout à fait différente – il a travaillé dur sur ses classiques – mais qu’il chante sur Dieu ou sur Satan, Green demeure l’ultime soul man.

Notis©2023

Par Sidney Usher

Sources : Les 200 plus grands chanteurs de tous les temps