Du pianiste Chick Corea aux batteurs Milford Graves, Dottie Dodgion et Ralph Peterson Jr. ; des trombonistes Curtis Fuller et Slide Hampton au guitariste Pat Martino ; de l’organiste Dr. Lonnie Smith au tubiste et saxophoniste baryton Howard Johnson – ce sont quelques-uns de nos héros, dont nous ne célébrerons jamais assez l’héritage.

Il y a des dizaines d’autres personnalités parties, elles aussi, en 2021, mais dont les âmes nous parlent encore, comme l’impresario George Wein; les « médiatisaseurs », comme, Phil Schaap, Bob Porter, Thurston Briscoe et Eulis Cathey ; le critique Greg Tate – que nous considérions également comme faisant partie la Grande Histoire d’une Musique faite de résilience, d’imagination et finalement de sagesse.

Merci infiniment à vous tous, célèbres, anonymes, connus, reconnus ou inconnus.

Chick Corea (12 juin 1941 – 9 février 2021)

Chick Corea a emmené le jazz dans des eaux inconnues depuis la barre de son clavier.

Né en 1941, il a commencé sa carrière professionnelle au début de la vingtaine, enregistrant son premier album « Tones for Joan’s Bones » en 1966.

En 1968, il sort son deuxième album, « Now He Sings, Now He Sobs », acclamé par la critique.

La même année, Corea a commencé à se produire et à enregistrer avec Miles Davis sur certains des albums les plus célèbres du trompettiste légendaire, notamment « Bitches Brew » et « In a Silent Way ».

Il quitta Miles en 1970 pour former le groupe de free jazz « Circle ». Il formera ensuite plusieurs groupes, dont « Return to Forever » et le « Chick Corea Elektric Band ».

Il a également fréquemment collaboré avec d’autres sommités du jazz et du classique, dont Hiromi Uehara, Herbie Hancock et Pat Metheny.

Ses derniers mots à ses fans étaient un message émouvant sur la force – et la joie – que procure la musique. «Je tiens à remercier tous ceux qui, tout au long de mon parcours, ont aidé à garder les feux de la musique allumés. J’espère que ceux qui ont l’idée de jouer, de composer, ou autrement, le fassent».

Milford Graves (né le 20 août 1941 – 12 février 2021)

Même dans les années 60 rugissantes (avec Albert Ayler), Milford se distinguait par son roulement rythmique, son son de batterie creux. Il a retiré les têtes inférieures de sa batterie pour obtenir un son plus clair, comme les « tabales » cubaines. En outre, il n’a pas utilisé de caisse claire.

Milford Graves entreprit son travail de longue haleine, intégrant le tambour à la danse et à la guérison naturelle. Milford Graves aimait la beauté syncopée des arythmies cardiaques. Ses pulsations irrégulières reflétaient les tempos et la polyrythmie toujours changeants du corps humain.

Dottie Dodgion, née Dorothy Rosalie Giaimo (23 septembre 1929 – 17 septembre 2021)

Dorothy Rosalie Giaimo est née à Brea, en Californie, au début de la Grande Dépression. La nouvelle mère était une danseuse de dix-sept ans nommée Ada Tipton; le père, Charles Giaimo, était un batteur autodidacte. Deux ans après le début du mariage, Giaimo a abandonné sa jeune famille pour la vie sur la route et les parents de Dodgion ont divorcé. Quand elle avait cinq ans, son père s’est arrêté sous le prétexte de l’emmener manger une glace et ne l’a pas ramenée à la maison, l’enlevant essentiellement pendant les deux années suivantes. Elle est restée seule dans des pièces fermées à clé au-dessus des relais routiers et des bars où il jouait. Lorsque son père a finalement ramené Dodgion à la maison, sa mère, qui s’était remariée, l’a envoyée en pension dans une école de couvent.

Quand Dodgion avait dix ans, son beau-père l’a violée. Il a été reconnu coupable du crime et envoyé en prison. Dodgion a trouvé du réconfort dans les claquettes. La musique était un sanctuaire et un refuge pour elle. Le rythme était si important – et bouger son corps en tant que danseuse était vital. La musique lui a permis de se libérer des épreuves et des traumatismes de sa jeunesse.

Ralph Peterson Jr (20 mai 1962 – 01 mars 2021)

Nous avons perdu le grand Ralph Peterson, l’une des figures marquantes du mouvement « Young Lions » des années 80. Peterson a frappé si fort la batterie qu’on avait peur qu’il les renverse.

Ralph Peterson pouvait entendre et réagir instantanément à chaque petit détail joué par un autre musicien.

Ralph Peterson a dirigé de nombreux groupes et a fait face à des défis de taille, notamment un long combat contre le cancer, mais n’a cessé de rugir.

Curtis Fuller (15 décembre 1934 – 08 mai 2021)

Curtis Fuller est une légende du jazz, le son de son instrument, son extraordinaire discographie, tant par la qualité autant que par le nombre d’albums, en témoigne encore, malgré des moments de doute, de crise ou des éclipses dans une aussi longue carrière.


la jeune génération découvrira avec émerveillement un parcours artistique de 70 années consacrées au jazz, depuis en particulier cet orchestre militaire de Cannonball Adderley dans la base de Fort Knox, Kentucky, au moment de la Guerre de Corée, qui réunissait entre autres Junior Mance, Kirk Lightsey et donc Curtis Fuller, des représentants de la fine fleur du jazz de Detroit, Michigan, une des grandes cités du jazz aux Etats-Unis.

Slide Hampton (21 avril 1932 – 18 novembre 2021)

Né Locksley Wellington Hampton en Pennsylvanie, il a déménagé avec sa famille à Indianapolis, où il s’est fait un nom sur la célèbre Indiana Avenue de la ville, une rue où les clubs de jazz de l’époque ont nourri Wes Montgomery, Freddie Hubbard, David Baker, confrère tromboniste JJ Johnson et bien d’autres.

Slide Hampton a commencé à jouer dans le groupe de sa famille, « The Duke Hampton Band », à l’âge de 12 ans. C’était la rampe de lancement d’une carrière qui l’amènera à travers le monde, jouant avec tout le monde, de Lionel Hampton, Dizzy Gillespie et Maynard Ferguson à Art Blakey, Thad Jones et Mel Lewis, Max Roach, Barry Harris et plus encore.

En 1960, il a formé son propre octet sur le modèle de celui de Miles Davis, comme il l’a dit dans une interview du 19 janvier 1961 : « Au fil des ans, j’ai écouté un certain nombre de groupes de différentes tailles que j’aimais », a déclaré Hampton. « Je suppose que l’Octet Miles Davis a eu une grande influence sur le type de musique que je voulais entendre dans mon propre groupe. Pour ce groupe, j’ai essayé d’obtenir une instrumentation qui se situerait entre toutes les autres tailles, tout en produisant un peu de chacun de ces sons.

En 1962, il avait solidifié le groupe sous le nom de « Slide Hampton Octet », qui comprenait Hubbard, George Coleman et Booker Little, parcourant le monde et enregistrant pour plusieurs labels.

Après une tournée avec Woody Herman en 1968, Hampton est resté en Europe, se connectant avec une communauté de musiciens de jazz expatriés, dont Art Farmer et Dexter Gordon. Il est retourné aux États-Unis à la fin des années 1970, enseignant dans diverses universités et continuant son travail d’arrangement et de composition et enregistrant son album « World Of Trombones », le salut ultime au trombone, qui comprenait neuf trombonistes de premier ordre et une section rythmique.

Hampton a remporté deux Grammy Awards, le premier en 1998 pour le(s) meilleur(s) chanteur(s) d’arrangement jazz pour son arrangement de « Cotton Tail » interprété par Dee Dee Bridgewater ; le deuxième en 2005 pour le meilleur album de grand ensemble de jazz pour The Way: Music Of Slide Hampton, The Village Vanguard Jazz Orchestra.

Pat Martino

Le guitariste de Philadelphie Pat Martino a connu un accident médical spectaculaire au milieu de sa carrière. Un anévrisme cérébral en 1980 lui a donné une amnésie partielle. Il a dû réapprendre à jouer de la guitare. Cette deuxième couche d’apprentissage n’a fait qu’aider.

Martino avait un sens du rythme formidable et pouvait pimenter des lignes mélodiques rapides et piquantes avec des riffs propulsifs.

Dr. Lonnie Smith (03 juillet 1942 – 28 septembre 2021)

Sa mère a suscité chez Smith un amour pour le gospel, le blues et le jazz. Adolescent, il découvre l’orgue Hammond et commence à se plonger dans les disques de Wild Bill Davis, Bill Doggett et Jimmy Smith, tout en prêtant attention à l’orgue d’église.

« Doc était un génie musical qui possédait un groove funky profond et un esprit ironique et enjoué », a déclaré Don Was, président de Blue Note Records, le label de jazz pour lequel Smith a enregistré plusieurs de ses chefs-d’œuvre. « Sa maîtrise de l’orgue n’avait d’égale que la chaleur de son cœur. C’était un gars magnifique et nous tous, chez Blue Note Records, l’aimions beaucoup », a-t-il ajouté.

Mario Pavone (11 novembre – 11 mai)

Mario Pavone, bassiste, compositeur et chef d’orchestre, est venu sur le tard dans la musique. Mais il a passé un demi-siècle à explorer la matière sonore. Il est décédé le 15 mai 2021 à son domicile de Madeira Beach, en Floride. Il a lutté contre le cancer pendant 17 ans.

Ayant grandi dans la ville industrielle de Waterbury (« The Brass City »), Pavone semblait déterminé dans sa jeunesse à rejoindre ses rangs, obtenant un diplôme en ingénierie de l’Université du Connecticut.

Cependant, assister aux funérailles de John Coltrane à l’âge de 26 ans s’est avéré être une expérience qui a changé sa vie et qui a valu au jazz sa dévotion de toujours. En quelques mois, il avait rejoint le groupe du pianiste Paul Bley et était en tournée aux États-Unis et en Europe.

Howard Johnson (07 août 1941 –11 janvier 2021) 

De l’énergie et de l’impulsion d’Howard Johnson est née toute une génération de tubistes de haut vol: Bob Stewart, Dave Bargeron, Earl McIntyre, Joe Daley, Tom Malone, Marcus Rojas, Carl Kleinsteuber et il est certain que son apport a eu des répercutions jusqu’à New Orleans, et dans toutes les fanfares du monde…
La dimension humaine d’Howard Johnson, confirme encore une fois –on l’a vu durant l’année 2020 avec la plupart des artistes du jazz qui ont disparu, de Jimmy Heath à Stanley Cowell en passant par McCoy Tyner, Freddy Cole, Ellis Marsalis, Sr. et d’autres– que les artistes authentiques du jazz le sont en raison des valeurs humaines qu’ils ont su cultiver et partager. C’est du moins l’une de nos observations récurrentes et de nos raisons d’appréciation de la grandeur de cette expression artistique et humaine.

Stanley Cowell

Une technique pianistique qui pourrait phagocyter le ragtime, le boogie, la virtuosité fulgurante d’Art Tatum, le laconisme de Thelonious Monk, le free-jazz post-60 et l’électronique expérimentale auraient dû suffire à faire du pianiste américain Stanley Cowell une grande star du jazz – même s’il n’avait jamais voulu étendre ces talents à la composition aventureuse, à une illustre carrière d’enseignant et à un rôle fondateur dans l’une des maisons de disques dirigées par des Afro-Américains les plus prospères du 20e siècle.

George Wein (3 octobre 1925 – 13 septembre 2021)

Wein a cofondé le Newport Jazz Festival en 1954 et le Newport Folk Festival en 1959. Newport a été le premier et le plus grand événement du genre aux États-Unis, établissant la norme pour les festivals de musique en plein air à venir. Wein, qui était lui-même musicien, a vécu une vie dont rêvent la plupart des fans de jazz. Il connaissait les géants et les innovateurs par leurs prénoms, comme Phil Schaap, Bob Porter…

Thurston Briscoe

Thurston Briscoe, ancien producteur de radio chez NPR à Washington, DC, et cadre chez WBGO à Newark, New Jersey, qui rayonnait de son enthousiasme pour la vie et les gens ainsi que pour la musique, a fait sa transition le 16 août 2021 au Morris View Health Center, Morristown, New Jersey, après une lutte contre la maladie d’Alzheimer et le cancer de la gorge. Il avait 74 ans. Eulis Cathey ;

Greg Tate (14 octobre 1957 – 07 décembre 2021)

Poète de la langue vernaculaire, l’écriture colorée et érudite de Tate a émergé au début des années 1980 dans des publications, telles que DownBeat, le Village Voice, Vibe et Spin magazine, couvrant les œuvres d’artistes, allant de Miles Davis, Ornette Coleman et Cecil Taylor à Michael Jackson, Public Ennemi et De La Soul.

Crédité dans les nécrologies hommage dans The New Yorker, The New York Times et NPR pour avoir élevé l’analyse du rap et du hip-hop à des niveaux académiques de perspicacité détaillée tout en soutenant un lectorat général, Tate a basé son reportage et ses opinions sur une connaissance approfondie de l’histoire mondiale des Noirs, en particulier, et les héritages de l’art et de la philosophie, en général.

Barry Harris

Membre actif de la scène florissante de Detroit à la fin des années 1940 et 1950, Barry Harris a côtoyé les plus grands créateurs du jazz contemporain, notamment le vibraphoniste Milt Jackson ; le guitariste Kenny Burrell ; les frères Jones (le batteur Elvin, le pianiste Hank et le trompettiste Thad) ; le saxophoniste Yusef Lateef ; le pianiste Tommy Flanagan.

Sonny Simmons (4 août 1933 – 6 avril 2021)

Le saxophoniste alto et corniste a fait des vagues dans les années 60, s’est évanoui dans l’alcoolisme et le « sans-abrisme », puis a rebondi pour un retour impressionnant.

En 1978, après son divorce, il a passé une grande partie des 15 années suivantes dans une brume alcoolisée, finissant par se retrouver sans abri. Avec sa carrière ressuscitée dans les années 1990, il est devenu un musicien plus prolifique et en demande, se construisant un public substantiel en Europe et un suivi presque révérencieux parmi les joueurs de New York et au-delà. Il a maintenu cet élan dans les années 2010. Son dernier enregistrement, Nomadic de 2014, était une collaboration avec le trio indo-jazz Moksha Samnyasin.

Jemeel Moondoc

Le saxophoniste et compositeur intrépide s’est frayé un chemin à travers la voie peu usité de l’avant-garde (free-jazz).

Moondoc est décédé le 29 août 2021 à 76 ans, après une bataille contre des problèmes de santé, notamment l’anémie falciforme. Sa mort a été confirmée par l’organisation Arts for Arts, qui l’a cité comme « un musicien passionné, motivé et sans vergogne, déterminé à faire de la musique sans ambages ni contraintes ».

Mark Whitecage (04 juin 1937 – 07 mars 2021)

Bien qu’il ait été associé au le bebop et le cool jazz, Mark Whitecage était un improvisateur d’une imagination et d’une intensité extraordinaires. Son style linéaire et free-bopish a ses racines dans la musique de Lee Konitz et Charlie Parker, mais son phrasé rappelait également Ornette Coleman et ce mélange spécial a créé sa propre voix. Son son au saxophone alto pouvait être à la fois voluptueux et pétillant ; sa clarinette pouvait être sombre, comme le style de son ami Perry Robinson. Ses lignes improvisées sont difficiles à classer, tant il était habile à s’adapter à la situation des différents environnements.

George Mraz (09 septembre 1944 – 16 septembre 2021)

Le merveilleux sens de l’harmonie et le penchant pour les surprises subtiles de Mraz lui ont valu de travailler avec de « sérieux clients », comme Oscar Peterson, Ella Fitzgerald et Stan Getz il y a plus de deux décennies », a écrit le Boston Herald en 2000, lorsque M. Mraz se présentait au Regattabar dans Cambridge, Mass., dans le cadre du quatuor Grand Slam. Il est resté aussi demandé que presque tous les bassistes de jazz, en particulier parmi les pianistes. »

L’une de ses collaborations les plus longues et les plus fructueuses a été avec le pianiste Tommy Flanagan.

George Mraz a également enregistré plusieurs albums sous son nom, dont « Jazz » (1996) et l’hommage à Duke Ellington « Duke’s Place » (1999).

Paul Jackson (28 mars 1947 -18 mars 2021)

Son style unique et novateur, combinant grooves profonds et improvisation réactive, a créé des lignes de basse qui ont ému les corps et les esprits à travers le monde.

En tant que bassiste avec Herbie Hancock dans son groupe « Head Hunters » Paul a façonné un son qui a lancé une nouvelle direction dans la musique contemporaine.

Juini Booth (12 février 1948 – 11 juillet 2021) 

Une force tranquille à la fois sur la basse acoustique et électrique, Booth a accumulé un curriculum vitae remarquable qui couvrait le spectre des talents et de tous les styles de jazz. Parmi ses associations figuraient les Art Blakey’s Jazz Messengers, Chuck Mangione, Eddie Harris, Sonny Simmons, Shelly Manne, Freddie Hubbard, Hamiett Bluiett, Chico Freeman et Steve Grossman, ainsi que le Sun Ra Arkestra.

Il était probablement mieux connu, cependant, pour son mandat de trois ans avec le pianiste McCoy Tyner, avec qui il a fait trois albums pour Milestone Records : Enlightenment, Song of the New World et Atlantis. Booth et les batteurs Alphonse Mouzon ou Wilby Fletcher ont créé une section rythmique insoluble qui allait comme un gant à la main gauche de Tyner, donnant au pianiste l’un des plus forts soutiens de sa carrière.

Chris Barber (17 avril 1930 – 02 mars 2021)

La légende britannique du jazz, Chris Barber est décédée « paisiblement dans son sommeil », à l’âge de 90 ans, après une bataille contre la démence. Tromboniste, Contrebassiste et Chef d’orchestre de jazz traditionnel, Chris Barber a eu une influence majeure sur la musique pop du milieu du siècle. Le musicien était l’un des Trois B avec Acker Bilk et Kenny Ball qui ont dirigé le renouveau Trad des années 1950 et 1960, dont les sons R&B et skiffle ont inspiré les Beatles, les Rolling Stones et Eric Clapton dans la révolution guitare-pop des années 1960.

Barber était une figure centrale de la renaissance du blues des années 1960 et a introduit des artistes tels que Sister Rosetta Sharpe, Sonny Terry et Brownie McGhee et Muddy Waters en Grande-Bretagne.

Il a ajouté le guitariste électrique John Slaughter à son groupe, qui est devenu le « Chris Barber Jazz and Blues Band ». Il a reçu un OBE pour ses services à la musique en 1991 et n’a annoncé sa retraite qu’en 2019, après avoir dirigé un groupe pendant près de 70 ans.

Jim Knapp

Jim Knapp, trompettiste, compositeur, chef d’orchestre et éducateur qui était sans doute la figure la plus influente de la scène jazz de Seattle au cours du dernier demi-siècle, est décédé le 13 novembre 2021 dans un établissement de soins pour personnes âgées à Kirkland, Washington. Il avait 82 ans. Knapp a fondé le programme d’études de jazz au Cornish College of the Arts en 1971, l’un des premiers du genre, est resté avec l’école pendant 45 ans et a mentoré des centaines de musiciens à Seattle et au-delà.

Il a attiré certains des meilleurs artistes de jazz du monde à l’école, et donc à la ville, l’enrichissant à la fois dans les arts et l’éducation.

Bobby Few

Après avoir bien implanté ses assises professionnelles dans sa ville natale de Cleveland, dans l’Ohio, dès le début des années 1960, Bobby Few déménagea au milieu de la décennie à New York. Il n’y passa que quelques années avant de s’installer à Paris. Il est resté parisien pendant plus de 50 ans, effectuant occasionnellement des voyages aux États-Unis pour participer aux festivals ou des enregistrements, tout en travaillant, par ailleurs et régulièrement, sur la scène du jazz européenne.

Freddie Redd (29 mai 1928 et mort le 17 mars 2021)

Autodidacte, Redd avait une touche souple, lyrique et bluesy au piano et une conception harmonique distinctement personnelle. Bien qu’inspiré par Thelonious Monk et Bud Powell, il ne ressemblait à aucun autre pianiste. Redd a opté pour un style rythmiquement ludique avec des lignes improvisées bien conçues.

En tant que compositeur, Redd a à la fois adapté et bousculé les conventions du bebop, écrivant à la fois des airs accrocheurs, facile à écouter/chanter, tout en inventant des lignes labyrinthiques à la Parker, qu’il inscrivait toutes dans des structures inhabituelles (bien que généralement dans le paramètre de 32 mesures).

Son œuvre la plus connue en tant que compositeur et interprète est sans aucun doute « The Connection », la partition originale de Redd pour la pièce de Jack Gelber de 1959 et l’adaptation cinématographique de Shirley Clarke en 1961. L’album est sorti en 1960 (avec en futuring le saxophoniste Jackie McLean) sur Blue Note Records.

Burton Greene (14 juin 1937 – 28 juin 2021)

Pianiste novateur et expérimental, Burton Greene a contribué à repenser son instrument à l’ère de l’avant-garde.

La conception de Greene du piano consistait dans son utilisation comme une « piano-harpe », par laquelle il atteignait l’intérieur de la chambre de l’instrument pour jouer les cordes avec ses mains – un transfert du compositeur Henry Cowell, mais une première dans le jazz. S’inspirant davantage de John Cage, il a également « préparé » les entrailles du piano avec des balles de golf et d’autres objets trouvés, élargissant ainsi sa palette sonore.

Dave Frishberg (23 mars 1933 – 17 novembre 2021)

« I’m Just a Bill » n’était que la chanson la plus célèbre du corpus de Frishberg. Il était un écrivain prolifique pour Schoolhouse Rock !, avec ses contributions dont « Walkin’ on Wall Street », « Dollars and Sense » et « The Number Cruncher ». Il n’était pas non plus limité à l’émission de dessins animés du samedi matin. Frishberg était connu dans le monde du jazz pour ses chansons instruites et pleines d’esprit, dont « My Attorney Bernie », « Peel Me a Grape », « Van Lingle Mungo » et « I’m Hip », la dernière écrite avec son ami et collègue Bob Dorough.

Charlie Watts (02 juin 1941 – 24 août 2021)

Charles Robert Watts est né le 2 juin 1941 et a grandi à Wembley, au nord-ouest de Londres. Son père, également Charles Watts, était chauffeur de camion tandis que sa mère Lillian était femme au foyer et le couple partageait deux enfants – Charlie et sa sœur Linda.

Watts a fréquenté l’école secondaire moderne Tyler Croft de 1952 à 1956 et, en tant qu’écolier, il aimait l’art, le cricket et le football.

Ses parents lui ont offert sa première batterie en 1955, lui permettant d’accompagner ses disques de jazz préférés, dont ceux de Duke Ellington et Charlie Parker.

Notis©2022

Par Sidney Usher