Il est presque scandaleux -et finalement pas surprenant- que seulement huit (08) chanteurs Africains figurent dans la liste actualisée des 200 meilleurs chanteurs de tous les temps du magazine « Rolling Stone », ce continent débordant de richesse et de talents.

Sadé Adu est la Chanteuse Africaine la mieux classée, à la 51ème place. Son compatriote, Burna Boy ferme presque la porte de la liste, à la 197ème place. Outre ces deux Géants de la Musique Africaine, les autres impétrants sont Miriam Makeba, 53ème place, Umm Kulthum classée 61ème,  Youssou N’Dour à la 61ème place, Mahlathini, 153ème , Tabou Ley Rochereau à la 178ème place et Fela Kuti, à la 188ème place.

Fela Kuti

Les chansons emblématiques de Fela Kuti des années 1970 et 1980 sont des instrumentaux orchestraux tentaculaires, un tourbillon innovant de highlife africain, avec des accents de la musique américaine (soul et jazz). À travers sa musique, il partageait une vision panafricaine anticolonialiste et défiait le gouvernement militaire corrompu du Nigéria, qui le soumettait régulièrement, ainsi que ceux qui l’entouraient, à des tortures.

Ce n’est pas seulement la rébellion lyrique de Fela qui le rend si important – c’est la façon dont sa voix a porté sa vision; la façon dont il chantait, son ton impérieux et direct, simple et ferme. Ses mélodies sévères mais conversationnelles ont rendu son mouvement accessible à tous les opprimés du monde.

Tabou Ley Rochereau

« La voix de la lumière » est le titre de deux volumes de cinq heures du chanteur et chef d’orchestre le plus aimé du Congo des années 60 aux années 90; ce titre appropriée, va comme bien à ce ténor dont les notes semblent flotter de manière hypnotique dans l’air. La voix de Tabou Ley était presque étonnamment douce – il chantait avec tellement de transport pur qu’il n’était jamais écœurant. Tabu Ley était aussi profondément funky – à écouter sans modération son chef-d’œuvre de 1973 « Aon Aon », dont le titre se traduit par « Wah-Wah »: Oui, il s’agit de la pédale de guitare, utilisée ici pour un effet envoûtant. Rochereau n’égale pas cette prouesse « guitaristique » ; sans effort, il la surpasse vocalement. C’est un bonheur absolu.

Mahlathini

On l’appelait « Le Lion de Soweto » ou encore « La voix de chèvre ». Simon « Mahlathini » Nkabinde était une figure sans égal dans l’histoire de la musique sud-africaine, doté d’un gémissement de basse profonde et d’un sens conscient, ludique et parfois diaboliquement incisif de ce qu’il fallait en faire. Avec le bouillant « Mahotella Queens » et l’élastique « Makgona Tsohle Band » qui le soutenaient, Mahlathini a joué un rôle essentiel dans la création du style de township connu sous le nom de « mbaqanga » dans les années soixante et soixante-dix. Comme d’habitude des chanteurs occidentaux, comme Paul Simon, ont apporté ce son au monde, mais il n’y a toujours rien de tel que d’entendre l’original.

Youssou N’Dour

Les premiers enregistrements de Youssou N’Dour, de la fin des années 70 avec son groupe Étoile de Dakar — disponible sur Vol. 1: Absa Gueye – sont toujours surprenants, à la fois pour les grooves funk sénégalais en plein essor et pour le ténor vertigineux de N’Dour, naturellement autoritaire.

N’Dour a continué à mûrir en tant que chanteur: son style de base à sensations fortes s’est modulé à une échelle plus humaine au fil des ans. Sur le Mbalax de 2021, N’Dour a réinterprété son propre passé plein d’énergie avec une approche tempérée mais toujours puissante, bouclant la boucle.

Umm Kulthum

Umm Kulthum n’a pas vraiment d’équivalent parmi les chanteurs occidentaux : pendant des décennies, la star égyptienne a représenté, et continue dans une certaine mesure, l’âme du monde panarabe. Son puissant contralto, qui pouvait brouiller le genre dans son registre inférieur, transmettait une gamme émotionnelle à couper le souffle dans des chansons complexes qui, à travers des thèmes et des variations follement ornées, pouvaient facilement durer une heure, alors qu’elle travaillait des foules comme un prédicateur fougueux.

Sa mort en 1975 a fait pleurer des millions de personnes dans les rues du Caire. Son influence parmi les chanteurs arabes est incalculable, elle s’est étendue bien au-delà. Dylan la considérait comme « géniale ». Beyoncé a utilisé de manière proéminente (et scandaleuse) « Enta Omri » dans sa chorégraphie de tournée de 2016. Robert Plant a concédé que « la première fois que j’ai entendu la façon dont [Umm Kulthum] danserait à travers la gamme pour atterrir sur une belle note que je ne pouvais même pas imaginer chanter, c’était énorme : quelqu’un avait fait un trou dans le mur de ma compréhension du chant.

Miriam Makeba

Enjouée, robuste, souple et tranchante, Miriam Makeba était une fontaine vocale. Elle pouvait scatter et swinguer comme une chanteuse de Jazz sur le tube « Pata Pata » ou crooner avec une chaleur vive sur la ballade folklorique « Lakutshon ‘Ilanga », une chanson qu’elle a rendue célèbre dans le film de 1959 Come Back, Africa.

En tant que musicienne sud-africaine vivant sous l’apartheid, l’œuvre de Makeba pourrait être intrinsèquement politique, même si c’est une étiquette qu’elle a souvent rejetée malgré l’activisme de toute une vie. En effet, l’écouter maintenant, des années après sa mort, c’est faire l’expérience d’une artiste qui communique avec brio la joie d’être en vie, dans une adversité farouche.

Sadé

Sade Adu est une créatrice de mode d’origine nigériane qui est passé à la musique, via la scène New Romantic de Londres dans les années 1980. Elle a prouvé qu’elle était « l’opératrice fluide ultime », en témoignent ses titres à succès comme « Your Love Is King », « Kiss of Life » et « The Sweetest Taboo ». Son sang-froid langoureux a le don de faire paraître tout le monde histrionique.

« Je suis assez discrète, et cela se reflète dans ma façon de chanter », a déclaré Sade à Rolling Stone en 1985. « Je ne pense pas nécessairement qu’il faille crier et crier pour émouvoir quelqu’un. »

Durant toutes ces années, l’équilibre serein de sa voix n’a jamais faibli.

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Par Sidney Usher